Toba de tinichea, în viziunea lui Volker Schlöndorff

"În acea zi, cu gândul la acea lume matură şi la viitorul meu, m-am decis să mă opresc. Să mă opresc să mai cresc vreodată şi să rămân un gnom de trei ani, o dată pentru totdeaun"

Oskar Metzertath

După ce ne-a povestit aici păţaniile prin care a trecut în filele masivului volum Toba de tinichea (Die Blechtrommel, 1959), micuţul Oskar Matzerath, personajul principal, se întoarce pe Mixul de Cultură într-o versiune vizuală, pe care vi-o propun în egală măsură cu lectura romanului. Polemica carte versus film nu este de data recentă, iar de cele mai multe ori cartea triumfă în faţa tentativelor eşuate ale regizorilor înhămaţi la o muncă aproape imposibilă de a “traduce” în imagini, cu ajutorul tehnicilor cinematografice (muzică, montaj, lumina, jocul actorilor etc), pagini de literatură adevărată, de calitate.

Nu am să vorbesc despre cei care au eşuat în această tentativă aproape temerară, ci am să aleg la interval de două săptămâni câte un regizor care, după umila părere, a încercat şi a reuşit să se apropie de textul literar. Aştept desigur sugestii la propria lista creată la începutul acestui an.

În această săptămână mă voi opri, după cum anunţam la începutul articolului, la versiunea cinematografică din 1979 a romanului Toba de tinichea, unică până în prezent, în regia germanului Volker Schlöndorff. Numele lui Schlöndorff este pus de critica de film in galeria tinerilor regizori din Noul Val German apăruţi în anii ‘70, alături de Wim Wenders, Werner Herzog şi Fassbinder.

Puterii cuvântului din romanul lui Grass i se adaugă o redare fidelă, magistrală, pe pelicula eternă a celuloidului. Filmul păstrează coordonatele romanului, prezentând alegoria unei epoci de temeri, corupţie şi incertitudine în Germania nazistă, în contextual ascensiunii lui Hilter. Amestecul de realitate şi suprarealism, cu un puternic impact din punct de vedere vizual pentru spectatorul aflat la prima vizionare de acest fel, nu poate lăsa emoţia în starea iniţială. Modificarea are loc de la bun început, odată cu “naşterea” pe ecran a omuleţului Oskar (David Bennent), a cărui atitudine de revoltă este dorinţa exprimată cu o conştiinţă aproape istorică de a nu mai creşte.

De fapt, putem vorbi aici de un “ingheţ” în timpul istoric, de un simbolism pe cât de uşor de redat în cuvinte, pe atât de profund pentru o societate germană sacrificată (pentru umanitate, prin extensie) în numele orgoliului nemăsurat cu origini obscure în teoriile eugeniste, care împânziseră cu mulţi ani mai devreme întreaga Europă.

Articol complet pe mixul de cultura

Film Menu (nr. 3)

Le Voyage de ballone rouge, de Iulia Alexandra Voicu

"Filmul surprinde, într-o manieră boemă, o lume a artiştilor: Juliette Binoche interpretează rolul unei mame singure (ce ia parte la realizarea unor spectacole cu marionete), care îşi creşte copilul, pe Simon, cu ajutorul lui Song, o tânără chinezoaică, studentă la film în Franţa [...]

Relaţia dintre băieţel si tânăra care are grijă de el este una de prietenie între doi oameni de vârste diferite, dar uniţi prin călătoria balonului roşu: Song realizează un filmuleţ cu Simon şi balonul roşu, Simon este urmărit de balonul roşu (la staţia de metrou, în metrou, acasă, la muzeu - unde vede balonul pictat într-un tablou, apoi îl zăreşte deasupra muzeului etc.)"


Realistul Maurice Pialat
, de Andrei Rus

"Din convingerea că cinematografia e mai fascinantă prin ceea ce ascunde decât prin ce arată, evită să-şi înceapă filmele cu tipul de expoziţiune în care nu se întâmplă nimic până când aflăm cinece- cum, aşa cum refuză să-şi gândească protagoniştii ca puzzle-uri din care nu lipseşte nicio piesă – adică să-i facă bidimensionali, să-i schematizeze. Mai mult, cineaştii belgieni îşi încurajează actorii să nu „joace”, fiindcă dezaprobă tendinţa de a reduce o varietate infinită de chipuri la câteva expresii uşor de descifrat. [...]

Pe Pialat îl deosebeşte de regizorii „Nouvelle Vague” şi o altă caracteristică importantă, acesta nefiind un cinefil înrăit şi necitând în niciunul dintre filmele sale alte creaţii iubite aparţinând celei de-a şaptea arte. De fapt, aşa cum prietenul şi
„rivalul” de o viaţă, regizorul Claude Berri, declara într-o intervenţie televizată, Maurice Pialat a apărut asemenea unei comete în peisajul cinematografiei franceze a anilor ’60, venind de nicăieri şi părând incapabil să producă „urmaşi artistici”, într-o era interesată de un tip de cinema îmbibat de persoana autorilor.[...]

De multe ori, Pialat nu le spunea actorilor când sunt filmaţi şi când nu. Deşi scenariile sale erau extrem de minuţios scrise, fiind detaliate la milimetru, aproape întotdeauna se improviza în timpul filmării, toţi participanţii (inclusiv tehnicienii sau secretara de platou) fiind invitaţi de acesta să fie în permanenţă prezenţi psihic şi să îşi aducă aportul personal asupra operei. Existau, de asemenea, zile întregi în care nu se trăgea nici măcar un cadru. Dacă Pialat nu se simţea inspirat de ceva din exterior, pur şi simplu, deşi înconjurat de o echipă întreagă, oprea temporar filmarea. Pentru el, realizarea unui film implica inspiraţie, spontaneitate şi o contribuţie puternică din
partea actorilor"
20 de ani....20 de epitafuri

  1. Judecată pentru cizmar!
  2. Veniţi cu noi! Fără violentă! Soldaţii ne sunt fraţi.
  3. Români, nu cedaţi!
  4. Să nu uităm Timişoara!
  5. Nu plângeţi! Nu pentru lacrimi s-au jertfit!
  6. Tineri, trebuie şi putem să salvăm această NAŢIUNE.
  7. Dacii râdeau de moarte şi erau liberi.
  8. Armata e cu noi!
  9. Feriţi-vă de Demagogie şi Dictator. Vox Populi, Vox Dei. 
  10. Nu ne temem, victorie Poporului Unit!
  11. Solii Timişoarei: ”Vom reveni pe inserat”
  12. Luptăm până la capăt!
  13. TIMIŞOARA. 
  14. Să nu ne temem, jos tiranii!
  15. Nu trageţi în popor!
  16. De Crăciun ne-am luat raţia de libertate!
  17. Veniţi cu noi. Nu vă fie frică, Ceauşescu pică! 
  18. Libertate te iubim / Ori învingem, ori murim!
  19. "Dulce ca mierea e glonţul Patriei / Pentru Ea şi pentru voi ne-am jertfit!”
  20. Se aud gloanţe, fluturi nevăzuţi ce vor să se întoarcă în viermele ce-a ros Patria. 

Îngerul necesar: Lupta Albului împotriva Albastrului


Am vrut să fac un film rece, farmaceutic, impecabil vizual, aproape fără emoţii. Nu am o relaţie prea bună cu România de azi, aşa că, deliberat şi oarecum programatic nu am vrut s-o arăt în filmul meu. Mă interesează cu totul alte lucruri decît feliile de realitate. Sunt ataşat de fotografie şi de artă contemporană, mai ales de cea conceptuală, deci e cumva normal la un moment dat, să încerc să ilustrez un concept. În acest demers, îmi place să cred că ironia este una din figurile de stil care mă caracterizează. Vizualul e pe primul loc în preocupările mele. Actoria clasică, în accepţiunea curentă a termenului, nu mă interesează. Nu voi face niciodată filme “de actori”. Mă interesează prezenţa unui individ mai mult decît jocul său.

Acest lung citat al regizorului Gheorghe Preda ar putea fi un comentariu mai mult decât necesar pentru filmul său de debut, Îngerul necesar. Dacă începi să vezi acest film de la început şi reuşeşti să îl pătrunzi, concluzia ar fi că timpul scurs (90 de minute standard) nu este atât de necesar. Şi totuşi ce este necesar în acest film? Subiectul, actorii, spectatorii, criticii, posteritatea? Ei bine niciunul dintre categoriile menţionate! Să stabilim un lucru de la început: Gheorghe, zis şi Gică, Preda nu este ca majoritatea regizorilor români apăruţi în ultima decadă cu poveşti de un realism izbitor, teme din comunism, avorturi (Puiu, Mungiu, Giurgiu şi Co.) sau descrieri de personalităţi (Nicolaescu), moravuri (Nae Caranfil).

Preda este Gică… contra. În Îngerul necesar, Albul se ia la “trântă” cu Albastru, vasăzică Ordinea, Liniştea, autismul, personalitatea sucumbată în camera minţii de un alb “rece, farmaceutic”, iar toate laolaltă se află sub pericolul unui Albastru necunoscut (scrisori anonime, mesaje pe ziduri, voci). Pasiunea lui Preda pentru vizual, muzică şi minimalismul cel mai feroce sunt mărcile acestui film, în mare parte un rebut. Pardon, ar fi trebuit să scriu debut?

Mi s-ar fi părut normal să încep cu un sinopsis, un subiect pe înţelesul tuturor pentru a va stârni un minim interes pentru lumea lui Preda din Îngerul necesar. Dacă regizorul nu a vrut să facă acest efort, va rog să îmi permiteţi să îi întorc favorul estetic. Aşa-i la Preda, deh. În definitiv, filmul se rezumă la un act artistic, un exerciţiu de imagine în care cadrele sunt bine structurate, iar tonalităţile de culori naturale, calde, clasice nu te pot lăsa totuşi indeferent. Totuşi aş fi vrut mai mult de la acest film care seamănă, se inspiră şi “respiră” mult a David Lynch.

Cu alura lui de intelectual francez (master la Sorbona) şi înfăţişarea unui artist neînţeles, Preda caută o perfecţiune în tot acest film, pornind chiar de la numele personajului principal feminin (Ana), însă simetria (recte, palindromia) dorită se dovedeşte a fi un deserviciu pentru spectator. Nu acelaşi lucru se întâmplă pentru egoul lui Preda care trăieşte “sub un clopot de sticlă”, limitându-se la o viziune strict personală asupra disconfortului din exterior: elementul albastru care subjugă o conştiinţă pură, albă, dar şi schizoidală, şubredă (act artistic ratat, o relaţie neîmplinită cu partenerul, violenţa fizică din partea mamei).

Emoţia şi tensiunea lipsesc cu desăvârşire, iar dialogul “scârţâie” serios (de pildă, Ana îi răspunde mamei: “daca mă gândesc câţi ani împlinesc, mă apucă dracii”) pentru cât de atent este Preda cu imaginea şi neatent în mod grosolan cu audienţa inteligentă şi receptivă la mesaj în mod aprioric. Preda nu ştie încă să transmită, vede numai ce vrea (egoism şi nuanţă de umor în detaliul vestimentar pe fond alb intitulat “Preda Porter”, fantezie erotică prin prezenţa în fundal a unui tablou reprezentând un falus, asistentele medicale care vorbesc în ungureşte etc.) şi aduce breslei UNATC primul film din categoria “thriller-psihologic”. Oare chiar era necesar?


Absurd şi magie în animaţia lui Jan Svankmajer

Jan Svankmejer s-a născut la Praga în 1934 şi s-a dedicat iniţial teatrului, studiind la Academia de Arte Scenografice din oraşul natal. De aici şi până la a deveni artist grafic nu fost decât o chestiune de timp, energia creatoare şi resorturile interioare plurivalente găsindu-şi extensii în cinematografia animată. De fapt, Svankmejer şi-a dobândit consacrarea printre profesionişti şi ulterior în rândul marelui public datorită animaţiei. Prima lucrare în acest domeniu datează încă din 1964 şi se numeşte Ultimul truc (Poslední­ trik până Schwarcewalldea): doi magicieni, Mr. Schwarzwald şi Mr.Edgar, dau proba proprilor virtuozităţi în domeniu, fapt ce conduce la o dispută cu un final violent.

Între 1964 şi 1972, Svankmajer realizează an de an 14 scurt metraje, până când este forţat de către stat să se oprească din lucru, datorită prestigiului în creştere şi conţinutului din ce în ce mai riscant pe care creaţiile sale le-ar fi putut provoca în rândul audienţei. Această interdicţie a durat până în 1980, când a apărut Prăbuşirea Casei Usher (Zá¡nik domu Usheru), adaptare după opera omonimă a autorului preferat Edgar Allan Poe.

În filmele sale, Svankmajer lucrează cu marionete, folosind tehnica stop-motion. Cu toate acestea, a folosit, de asemenea, actori reali, maşini, figuri din lut, scheletele de animale şi multe alte lucruri. Svankmajer rămâne un artist al stărilor ambigue, fapt ce nu îl împiedică să aibă un oarecare simţ al umorului. Acesta a fost inspirat de lucrările lui Edgar Allan Poe (Prăbuşirea Casei Usher), Lewis Carroll, Johann Wolfgang Goethe, gândurile filosofice ale Marchizului de Sade, printre altele…

Articol complet pe mixul de cultura

Eveniment: Radu Igaszag la NEXT

Editia din aceasta luna a CineClubului NexT va avea loc pe 30 noiembrie si se va desfasura in cadrul Festivalului Filmului Francez (26 noiembrie - 3 decembrie). Evenimentul va avea loc incepand cu ora 19.00, la Cinema Elvira Popescu din Bucuresti.

CineClubul NexT va prezenta luna aceasta nu un film, ci sase, toate de animatie, in regia lui Piotr Kamler: proiectia va fi deschisa de 5 scurt metraje – Coeur de secours (1973), Le Pas (1975), Une mission éphémère (1993), L’Araignéléphant (1967), Le Labyrinthe (1969) si se va incheia cu lung metrajul Chronopolis (coproductie Franta-Polonia,1982).

Invitatul special al CineClubului este regizorul Radu Igazsag, castigatorul din 1985 al prestigiosului premiu de la Hiroshima pentru filmul de animatie Fotografii de familie (1983).

Radu Igazsag este cunoscut publicului cinefil pentru productii precum Caligrafie (1982) - co-regizat alaturi de Zeno Bogdanescu, Olimpiu Bandalac, Lajos Nagy, Tocirea (1985), Babel (1992) – film experimental regizat impreuna cu Alexandru Solomon, Boborul (2004) - Premiul pentru imagine (Vivi Dragan Vasile) si interpretare (Victor Rebengiuc) la Festivalul Anonimul in 2004 si la Festivalul Alter-Native de la Targul Mures. In 2007, Radu Igazsag si-a lansat lung metrajul O scurta poveste - o antologie a filmului de animatie romanesc de la inceputuri pana in 1990 [...] 

Dupa proiectie, publicul este invitat la o dezbatere pe marginea filmului moderata de Andrei Gorzo.

CineClubul NexT este o initiativa a Societatii Culturale NexT, infiintata in memoria regizorului Cristian Nemescu si a sound-designer-ului Andrei Toncu. Aparitia CineClubului NexT vine din dorinta Societatii Culturale NexT de a sprijini si indruma reprezentantii foarte tinerei generatii de cineasti romani la inceputul carierei lor, dar si de a contribui la readucerea publicului in salile de cinema cu ajutorul unor evenimente care sa gazduiasca atat filme foarte bune cat si invitati cat mai interesanti
.


CineClubul NexT este un eveniment lunar. In fiecare editie a CineClubului va fi proiectat un film, pe baza caruia se va crea un dialog intre public si invitatul special. Discutia va fi moderata de un critic de film si va dura minim 30 de minute
.

Sursa: bucuresti.24fun.ro

Festivalul Filmului Francez (26 noiembrie-3 decembrie)

Festivalul Filmului Francez o aduce anul acesta în prim plan pe Charlotte Gainsbourg, câştigătoarea Premiului de interpretare de la Cannes de anul acesta, face o Noapte a filmului fantastic (cu producţii fantastice, SF şi de groază) şi o invită pe actriţa şi recent regizoarea Fanny Ardant.

Cea de-a 14-a ediţie a Festivalul Filmului Francez va avea loc la Bucureşti între 26 noiembrie şi 3 decembrie 2009, în trei săli de cinema: Cinema Studio (Bd. Magheru 29), Cinema Elvira Popescu (Bd. Dacia 77) şi Cinema Europa (Calea Moşilor 127).

Deschiderea festivalului se va face cu filmul Cendres et Sang/CENUŞĂ ŞI SÂNGE, de Fanny Ardant, invitata specială a festivalului, iar la gala de închidere a evenimentului se va proiecta Le Concert/Concertul, de Radu Mihăileanu.

Un focus pe filmografia lui Charles Berling va completa această ediţie a festivalului.

Organizatorii promit peste 40 de lungmetraje şi peste 20 de scurtmetraje în cele opt zile de festival.


Sursa: cinemagia

Programul festivalului in format pdf poate fi vizualizat aici